Millenium : la fille au tatouage de dragon

Et je me suis agenouillé devant un paquet de cookies

Millenium : La fille au tatouage de dragon, David Fincher, 2011, Allemagne-Angleterre-Suède-USA.

Depuis très peu de temps, je me demande si les américains n'ont pas une profonde aversion envers les suédois. Joss Whedon et Drew Goddard, dans La cabane dans les bois, font part du fait qu'il ne faut jamais faire confiance aux suédois (dans un domaine qui pourrait provoquer l'apocalypse), le dieu de la mythologie scandinave Thor a été ridiculisé à 2 reprises dans les adaptations des comics Thor et The Avengers (où il joue un rôle de fond d'écran), et, pour enfoncer le clou, David Fincher a réalisé Millenium : la fille au tatouage de dragon qui est une autre adaptation du roman quasi-éponyme de Stieg Larsson et ne fait pas honneur à l’œuvre originelle dont elle ne reprend pas en vo américain le concept caché dans le titre original suédois de Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes. De plus, David FIncher fait plusieurs entorses majeures à l'ouvrage : Daniel Craig a été casté dans le rôle de Mikael Blomkvist, le générique du film est hideux et l'ensemble est traité comme un sujet absolument pas maîtrisé par ses commanditaires. La pelloche shootée et scotchée par "Finchy" se regarde donc difficilement. J'ai essayé de retranscrire une brève chronologie de mes moments passés à regarder ce film :

Le premier moment, celui de la découverte, se déroule en faisant avec ce que les images et le traitement laisse présager du reste. Le générique est hideux, aucun plan ne dure plus de 5 secondes, aucune réplique n'est balancée avec un peu de cœur, le rythme des dialogues est chronométré, aucune scène ne dépasse les 30 secondes.

Le second moment est celui de la perte d'espoir. Un relâchement brusque a eu raison de moi au moment où je me suis rendu compte que le film allait être long à supporter. La musique noie l'ensemble, elle essaye de faire monter la tension dramatique à elle toute seule, les événements sont totalement désensibilisés par une sur-abondance d'informations qui assomment plus qu'elles n'intéressent (d'autant plus qu'elles sont adressées indirectement au spectateur par des dialogues peu crédibles ... de fait).

Le troisième moment est une intervention de ma mémoire. Il s'agit du souvenir d'un extrait de conférence dans laquelle Finchy le Fincher affirmait, appuyé avec un regard d'intimidation, assis sur sa chaise, tournant à moitié le dos à l'audience, que son métier est de fabriquer des films distrayant "pour nous" ... voulant dire que si on avait des reproches "pour lui", on pouvait s'incliner devant sa générosité. Qu'il "nous" refile donc de sa renommée, de ses contacts et de son pognon "pour nous".

David Fincher et l'art de cadrer avec ses lunettes noires (pas de remarques sur le regard d'intimidation : il est "pour nous")

Le quatrième moment consiste à raccrocher au wagon car j'ai laissé dérouler Millenium : la fille au tatouage de dragon pendant un certain temps en pensant aux manques dans mon garde-manger et aux courses que je dois faire.

Le cinquième moment est empli d'horreur et de malheur. Scandale ! Le premier viol du tuteur Nils Bjurman sur Lisbeth Salander (la fellation) est filmé comme un acte consenti (il est pourtant qualifié comme viol dans le livre de Stieg Larsson et la première version filmée d'Oplev avec Noomi Rapace) ; pour Finchy Fincher et les commanditaires de ce produit marquéquété "qualité et succès", Lisbeth masturbe et suce son tuteur pour obtenir l'argent et s'acheter un ordinateur portable. Que pense le néophyte et le m'en-foutiste de base de Lisbeth et de la série Millenium ? Où est donc le propos de Stieg Larsson qui voulait vilipender tous les comportements faisant référence à des hommes qui haïssent et brutalisent les femmes ?

Le sixième moment concerne la tentative d'assassinat sur Mikael Blomkvist. Il semble n'être qu'un événement anodin permettant à Lisbeth de coucher avec le journaliste. Faut bien faire ressembler l'intrigue de ce fille au tatouage qui pue l'encre à celle du bouquin original et de sa première adaptation téléciné d'Oplev.

-"On a essayé de tuer Blomqvist ?" -"Non, c'est Lisbeth qui a couché avec lui."

Le septième moment est celui du répit. Une grosse demi-heure après une interruption salvatrice, je me suis permis de supporter la suite sans faire attention aux notions de qualité et de quantités de ce long-métrage. Je suis allé faire des courses et j'ai acheté et mangé des cookies Granola gros chunks/pépites de chocolat et d'amandes caramélisées. Il devait rester une heure de film. Le paquet a duré un quart d'heure. Il y a des plaisirs plus agréable que celui de regarder de mauvais films. Ce moment de dégustation a commencé pendant que Cécilia Vanger (Géraldine James) tenait des papiers en main*.

Le huitième moment consiste à rigoler en voyant Daniel Craig s'agiter au bout d'un harnais. Enfin un peu d'action, enfin un  peu d'humour, enfin un peu de quelque chose.

Pour conclure, je voudrais souligner que j'en ai vraiment marre de ces films américains estampillés "grande qualité" alias "succès d'estime + grosse rentrée de fric" qui alignent des gens compétents (ou pseudo-compétents ou connus) qui s'avèrent être de grosses daubes ou d'énormes déceptions au final (je pense aussi au Dahlia Noir de Brian de Palma). Tant qu'à vendre un film sur son aspect qualitatif, autant faire une pelloche de qualité.

*pour des précision de noms d'acteurs/actrices, je me suis aidé de la fiche IMDB du film.

La sélection du mercredi 23 mai 2012

La bande-annonce de MIB 3, MIIIB, M3B, MIB au cube présente une raison suffisante d'aller en salles : voir Josh Brolin tenir un rôle d'habitude joué par Tommy Lee Jones. A part ça, Will Smith a l'air de ne plus y croire.

La bande-annonce de Sur la route présente des personnes nues aimant le jazz qui se baladent en voiture. L'un d'eux sait taper à la machine.

La bande-annonce de Cosmopolis présente une mode nouvelle sur un air de rébellion : l'egotrip chez le coiffeur. La mort et le sexe sont au bout du chemin.

La bande-annonce de Disparue présente une histoire qui promet de bien finir ... vu que l'héroïne du film sait qui est le méchant.

La sélection du mercredi en mode "c'est grave" [16 mai 2012]

La bande-annonce de Mille Mots présente Eddy Murphy, le comique que nous avons tous tant aimé dans Un fauteuil pour deux, Un prince à New York et Le flic de Beverly Hills 3 de John Landis, ne pouvant aligner plus de mille mots sous peine de mourir. Vu que monsieur Murphy est difficile à refourguer après ses passes cochonnes avec des prostituées transexuelles, le monteur a casé une musique des Blues Brothers de John Landis (dans lequel monsieur Murphy n'a jamais figuré) pour rythmer un film dont, apparemment, le seul atout est de faire taire Eddy Murphy.

Et prétendre que la bande-annonce ne m'a pas emballé parce que monsieur Murphy a couché avec des prostituées transexuelles, c'est grave.

La bande-annonce de Matins calmes à Séoul d'Hong Sang-soo est très prometteuse quant au long-métrage. L'histoire d'amour promise semble être généreuse en instants reposants et chaleureux.

Mais, faire un zoom, celui de la 45ème seconde, c'est grave.

Je te promets - The vow a un tiret entre les 2 parties de son titre. C'est grave.

 

Prétendre que l'amour est plus fort quand on oublie tout de l'autre, c'est grave.

Frapper son rival quand on essaie de reconquérir la femme de sa vie, c'est grave.

Les femmes n'aiment pas la violence dans la période de séduction, c'est grave.

Parce que l'idée de me délecter de voir Channing Tatum attraper un rhume sous la pluie ne pourra m'empêcher d'aller voir Je te promets - The Wow, c'est grave.

Parce que je ne considère pas que Wes Anderson est un génie de la comédie, je ne suis pas "tendance", c'est grave ...

... pas forcément pour moi.

Moonrise Kingdom est sorti, c'est grave.

Comme dans Je te promets - The Vow, une femme a un grave accident. Comme dans Hasta la vista et Intouchables, il est question de chaise roulante. Comme dans Bullhead, Matthias Schoenaerts tape avec ses poings. Comme dans tous ses films, Marion Cotillard ne donne pas envie. Comme dans Jacques Audiard, il est question de chef d’œuvre avant même que le film ne soit tourné.

Parce que la chaise roulante est "tendance", c'est grave.

La sélection héroïque du mercredi 9 mai 2012

La bande-annonce de Dark Shadows a le pouvoir de séduction d'un cadavre condamné à satisfaire une sorcière lubrique en balançant des vannes de situation dans les années 1970. Humour grand cru et message universel timburtonien à prévoir : la télé est l’œuvre du diable, lapider à coups de pierres Johnny Depp ne sert à rien et faire l'amour à une sorcière est regrettable. Trois conseils tirés de l'expérience du cinéaste américain.

La bande-annonce de Maman a le pouvoir de séduction de Mathilde Seigner, Marina Foïs et Josiane Balasko réunies. Même si la dernière est attachée et que les 2 autres la torturent un peu, la pelloche ne devrait pas cartonner au box office.

La bande-annonce de Sea, no sex & fun a le pouvoir de séduction de Fred Testot sans Omar, sans super-connard et sans "soirées". Autant dire qu'à se vendre comme le meilleur pote que l'on puisse avoir (dans un bistrot, dans une galère minime en Corse, dans un désespoir entre meilleurs amis, sur une plage) sans un compadre blacko, on réussit surtout à se faire ignorer au box office, au bouche à oreille, à l'intérêt général et à l'intérêt particulier. Comme quoi, en France, sans un black, c'est plus compliqué de se faire remarquer.

La bande-annonce de Chercher le garçon a le pouvoir de séduction d'une femme qui ne trouve pas un homme pour partager sa vie avec elle. Conseil du rédacteur de ce blog après le succès d'Intouchables : avoir un pote black pour l'aider à trouver l'homme de sa vie.

La cabane dans les bois

Gâcher la fin d'un film est un art ... j'aimerais bien être un artiste

Attention ! Ce texte gâche la fin (censée être déconcertante et inédite) de la pelloche. Ne pas lire si vous ne voulez pas me haïr à mort.

La cabane dans les bois, Drew Goddard (alias Joss Whedon), 2011, USA.

Ça y est les gens, j'ai réalisé un film. Ça s'appelle Les cabinets dans les bois. C'est plein de jolies de gonzesses. Nan, je déconne. C'est plein de vierges effarouchées. Nan, je déconne. C'est plein de frissons et de jumpscares. Nan, je déconne. Il y a un gros problème de point de vue. Ça, c'est parce que je suis schizophrène et vachement opportuniste. Alors j'ai zappé la mise en place d'un récit intéressant pour jouer au type qui se prend pour un gros malin. J'ai mis de l'humour partout. J'aurais pu raconter une histoire du point de vue des techniciens chargés de zigouiller des jeunes afin de sauver le monde du réveil des anciens (dieux anciens qui régnèrent jadis sur Terre ... à la Lovecraft). J'aurais pu jouer avec les apparences pour faire découvrir un massacre justifié. Mais je suis trop flippé dans l'existence pour prendre un véritable parti pris. Je ne suis qu'un fan geek de plus qui s'est lancé aveuglément dans l'industrie du divertissement. C'était pour frimer auprès de mes parents lors des diners familiaux. Mais mon travail ne les impressionne pas plus que cela. Jouer avec les apparences comme je l'ai fait avec une série dans laquelle une jeune femme, poursuivie par un vampire dans une allée sombre, se retournait pour lui apprendre les manières et avec ce Les cabinets dans les bois ne soulève nullement d'enthousiasme chez mes géniteurs. Et vu que la bande-annonce gâche le plaisir de la découverte de ma fausse copie d'Evil Dead, j'ai décidé de flinguer la pelloche en alternant décor et envers du décor. Au fond, j'ai deviné ce que le studio voulait ...

... Lécher comme une salope la gueule d'un monstre.

Quant à montrer quelque chose de nouveau, je me suis assis dessus. Ça tombe bien, j'ai appelé ça Mes cabinets dans les bois. J'ai recyclé un max de tout ce que j'ai pu trouver. J'ai même mis une fin insensée à mon tas de papier pour ne pas avoir à y revenir. Y a des ados insupportables qui pensent qu'il est préférable d'exterminer l'espèce humaine parce qu'ils ont été désigné comme sacrifices humains pour empêcher les anciens (à la Lovecraft) de revenir dominer sur Terre. Je ne vous décris pas les tailles de leurs egos de merde. Ils se refusent au sacrifice. Vu qu'ils ne veulent pas mourir (comme d'autres l'ont décidé pour eux), ils laissent la prophétie malveillante s'accomplir. Vous me direz : ils ne s'en soucient pas et ils punissent toute l'humanité qui n'a jamais eu vent de cet abscons secret (j'espère que vous avez soulevé l'étrangeté de la logique : ils meurent de toute façon).

Moi, mon ego se porte bien. J'ai fait ce film parce que j'aime méchamment squatter les chiottes (mon usuel cabinet de travail) ... d'ailleurs, je m'imagine vivre dans des WC au fond des bois. Sérieux. J'aime la nature. Si j'ai écrit Les cabinets dans les bois, c'est pour occuper le réduit isolé après le tournage. Je ne laisserai à personne la chance d'occuper cet espace. Les effets spéciaux sont toujours en place et fonctionnels. La main qui sort du sol est conçue pour ... il faut que j'avoue .... j'adore avoir une main au cul pour me gratter les fesses quand je réfléchis et me les caresser quand je me sens seul.

La sélection du mercredi 2 mai 2012

J'aime gribouiller

Sans issue : "Tel père tel fils" ... blabla ... Bruce Willis dans un cadre méditerranéen ... encore un long-métrage de studio estampillé HoWoo qui veut que la filiation (alias les lois de la gêne) fasse figure de mesure d'efficacité suprême dans les cas importants de problématique diplomatique : du coup, le génome du coup de tatane et le gène du gun qui explose une voiture de marque sont übber-in.

... du coup, j'indique que la mode est injuste : "les médecins" précisent que le gène produisant du gras a permis à l'humanité de survivre aux multiples famines dont elle a souffert : ça veut dire que les gros ont sauvé l'espèce.

Produit en série, made in USA

Le jour où je l'ai rencontrée : ce titre, je l'ai lu de travers ... tel quel Le jour où je l'ai regrettée. Du coup, je n'ai aucune envie d'aller le voir.

A sujet délicat, question délicate. La bande-annonce de Walk Away Renée (2012) de Jonathan Caouette présente l'amour d'un fils pour sa mère schizophrène. Il s'agit en effet du second film qu'il consacre à sa maman : Tarnation date de 2003. Une pelloche qui a sauvé la vie de Jonathan et qui expose la sphère de l'intime avec le niveau de pudeur propre au cinéaste texan. Quant à se demander et à chercher à savoir si Jonathan Caouette vit sa vie sans sa mère et sans la filmer, le titre indique un éloignement.

Film à suspense dont on connaît déjà le final : qui creuse un trou à la fin du film ?

J'ai vu Margin Call : c'est un film qui lèche les godasses de marque des gestionnaires de portefeuilles et autres assureurs, traders, etc ... qui ont participé à la naissance de la crise financière et économique de 2008. D'après le réalisateur J.C Chandor, ces vandales en col blanc ne sont pas aussi responsables et fautifs que la vindicte populaire voudrait le croire. Ils sont donc humains et ils ont laissé la situation empirer sans savoir ce qu'ils faisaient et sans comprendre quoi que ce soit à leurs actions. Leur responsabilité est ainsi limitée parce que leur Q.I. l'est aussi. La seule chose qu'ils ont fait de pas jojo, c'est d'avoir rattrapé le coup (pour eux) en ne sautant pas en masse depuis les sommets des buildings, en taisant l'affaire et en se débarrassant du paquet pourri comme ils pouvaient ... et l'un d'eux creuse un trou dans son jardin.

Barbara est à genoux dans l'herbe. Elle cache ou retire quelque chose d'entre 2 rochers. Une croix est située derrière elle. Son vélo tombe. L'action est située en Allemagne de l'est en 1980. Le raccord de l'auteur est fait. Belle morale : ne pas accrocher son vélo à une croix catholique conduit à l’avènement du communisme. Je retiens la leçon mais je ne suis pas catholique.

Post-scriptum : mes gribouillages, c'est moi. Je vais donc arrêter de gribouiller.

Intouchables

Intouchables, de Toledano et Nakache, France, 2011.

Puisqu'il faut avoir une opinion sur un succès phénoménal, j'ai regardé le film. Depuis, j'ai un avis personnel. Je me suis donc ennuyé du début jusqu'à la fin. Je n'ai jamais accroché à l'intrigue et je n'ai pas été séduit par l'humour et les personnages. J'ai ri une fois et je crois avoir compris pourquoi beaucoup de monde a aimé. Intouchables, c'est l'histoire de 2 personnes qui s'entraident alors qu'elles n'ont aucun point commun et qui ne finissent pas l'histoire en aimant ce que l'autre aime. Le double message de la pelloche est "viens-là que je règle tes affaires de cœur et tu peux garder tes goûts de merde pour toi".

Que signifie le succès du film auprès des français, des allemands, des québecois, des italiens et d'autres ? Ont-ils du mal à gérer leurs affaires sentimentales sans l'aide d'un black (voire d'un tiers) ? Se sentent-ils comme de riches handicapés sur le sujet ? Une chose est sûre : ils n'ont aucune envie de s'intéresser aux goûts d'autrui (à part pour se vanner).

Fog

Fog, John Carpenter, 1980,USA.

La première fois où j'ai vu la jaquette de la VHS de Fog, c'était dans la présentation de la collection de minuit TF1 vidéo sur la K7 de Hurlements. La seconde fois où je l'ai vu était lors de la présentation de la collection de minuit TF1 vidéo sur la K7 de Flash Gordon. Il y eut un nombre incalculable de fois où j'ai vu la jaquette de Fog lors de présentation de la collection de minuit TF1 vidéo surtout que New York 1997 fait partie de cette collection tombée dans l'oubli (je n'ai même pas trouvé un listing sur internet : New York 1997, Fog, Orca, King Kong, Hurlements, Flash Gordon). Il y eut également de nombreuses fois où j'ai espéré mettre la main sur la jaquette, la boîte et la copie VHS de Fog mais mes sorties en magasin étaient toutes décevantes. C'était avant l'internet et je n'étais pas un visiteur assidu de vidéoclubs (je préférais la possession à la location : je peux dire que je suis un collectionneur). J'ai même fait connaissance avec Fog par le biais d'un best-of regroupant les meilleurs morceaux de musique de Carpenter. La énième fois où j'ai vu la jaquette de la VHS de Fog était sur une des étagères de ma VHS-Dvdthèque personnelle.

Je l'ai trouvé par hasard en me baladant entre le cimetière Montmartre et la place Clichy (j'allais souvent au cinéma le Pathé Wepler dans la première moitié des années 1990 ... avant qu'il ne devienne un multiplexe désincarné dont l'identité propre n'est représenté plus que par le nom de cinoche). LA K7 de Fog était donc soigneusement rangée sur une étagère dans une vitrine d'un magasin d'électronique de la galerie essentiellement occupée par les franchises Flunch et Castorama dans un coin de la place Clichy.

Le vendeur était surpris. On ne lui avait jamais demandé d'acheter une des cassettes vidéos qui servaient en fait de décoration dans la vitrine. L'entrée du magasin était à l'intérieur de la galerie et la vitrine donnait sur l'extérieur. Il y avait 4 étagères, 5 vidéos sur chacune. Il y avait une plaque en métal souple entre la vitrine et le comptoir du magasin. De l'intérieur, on ne suspectait pas la présence d'étagères et on ne voyait pas les K7. La plaque était attachée des deux côtés de la vitrine. Après avoir détaché d'un côté quelques cordons et en tirant dessus, une petite ouverture permettait difficilement d'atteindre la K7 de Fog, rareté d'alors d'entre toutes les raretés sur le marché de la VHS. Moi, j'étais dehors sur le qui-vive afin d'indiquer, tel que le jeune homme me l'avait demandé, quelle cassette je cherchais à acheter. Après une ou deux tentatives infructueuses, le vendeur, ce jeune homme sympathique et plein d'entrain avec lequel je n'ai échangé aucune autre information, m'avait demandé de revenir dans la semaine.

Contraint par les événements, j'avais agréé. Il m'avait promis de trouver une solution pour amener cette copie à portée de main de mortels et de la mettre de côté pour moi. Était-ce pour tester ma détermination ?, me demanderez-vous peut-être. Et bien non. Lorsque je suis revenu, le jeune homme était muni d'un manche à balais et il a utilisé ce bâton pour faire tomber la cassette sur l'étagère et la tirer vers lui. Moi, j'étais toujours dehors pour diriger la manœuvre. Je l'ai acheté pas cher : 100 francs. Et voilà comment je suis enfin entré en possession de ma première copie de Fog. Évidemment, je l'ai visionné dès que je suis rentré chez ma maman.

A l'époque, pour moi, TF1 video représentait le diable, le lavage de cerveau et la débilisation de l'humanité des français. J'étais peut-être prétentieux ou un peu trop sûr de moi jusqu'à ce que le grand dirigeant de la chaîne (Patrick Le Lay) l'admette publiquement. J'ai donc effacé la marque de cet empire médiatique de la jaquette de Fog afin que les 2 ne soient pas associés l'un à l'autre. D'ailleurs, l'éditeur avait pan&scané l’œuvre de John Carpenter. Les bords de son magnifique scope étaient rognés et l'image était étirée pour être conforme au format 4/3 sans bandes noires.

Mais je dois avouer quelque chose : même si le Pan&Scan est une horreur de procédé qui défigure les œuvres des cinéastes et créateurs (je déteste et désapprouve ce procédé), une chose a joué en sa faveur dans mon histoire avec le cinéma et le Pan&scan. Une toute petite. Une seule. J'espère qu'on me la pardonnera de la mentionner. Cela se déroule lorsque l'un des marins se fait tuer au tout début du film. Il remarque que tous les instruments de bord sont cassés et fixe la brume depuis la cabine de navigation :

• en Pan&Scan on ne voit pas le fantôme s'approcher de lui, ce qui renforce l'effet de surprise (car on se doute bien qu'il ne s'agit pas d'un de ses potes) : l'apparition suffit à faire sursauter
• alors que, sur l'édition DVD, en vrai format respectueux de l'original, on voit le fantôme ouvrir la porte de la cabine et s'approcher lentement vers sa proie (le meurtre est donc prévisible alors qu'il était surprenant). 

Je déteste l'avouer mais, en terme de tension, le marin a bien l'air stupide ou trop concentré sur le brouillard car il se laisse avoir très naïvement. Le sursaut produit par la déformation Pan&scan ne fonctionne pas en cinémascope original. C'est dommage. C'est l'une des raisons qui m'ont fait apprécier en première vision Fog.

Mais, heureusement, le DVD a rectifié tout le reste : le format scope qui a une grande importance pour rendre efficace l'ambiance délétère et catastrophiste du film.

Assaut

Et Dieu inventa la violence

Assaut, John Carpenter, 1976, USA.

Assaut est un des films les plus violents qui soit. Une fillette se fait tuer. Un commissariat est pris d'assaut. Tout le voisinage ne s'intéresse pas suffisamment à ce qui se passe pour localiser les coups de feu liés au siège. Les policiers en patrouille ne vérifie pas la rue dans lequel les événements ont lieu ; l'un d'eux s'exprime franchement avec un "pourquoi faire ?" lapidaire. Un policier doit faire équipe avec des criminels dont un tueur chevronné. Tout ce qu'ils peuvent espérer de cette nuit de cauchemar dans un quartier abandonné aux criminels est de gagner du temps avant leur mise à mort par un gang qui souhaite satisfaire sa soif de sang et de vengeance.

John Carpenter a utilisé un petit budget (estimé à 150 000 $) et une équipe solidaire (qui se retrouve par la suite sur plusieurs de ses œuvres : Debra Hill, Tommy Lee Wallace, Darwin Joston, Nancy Loomis, Charles Cyphers) pour mettre en scène un film d'exploitation situé quelque part entre Rio Bravo (Howard Kawks, 1959), La nuit des morts-vivants (George Romero, 1968) et le cinéma d'exploitation des années 1970. John Carpenter a souhaité qu'Assaut soit un film choc, un film d'action tout en lenteur et langueur dont l'ensemble se déroule sur une nuit. Ainsi la violence profite d'un effet sournois qui décuple son efficacité. Les protagonistes sont dans une situation inextricable et utilisent intelligemment la durée du long-métrage pour trouver des solutions et repousser leurs effrayantes mises à mort car ils comptent principalement sur des intervenants extérieurs pour les sortir d'affaire. Souhaitant attirer l'attention sur Assaut, John Carpenter décrit donc une nuit de cauchemar (il est doué pour cela : Halloween en 1978, The Fog en 1980, Escape from New York en 1981, Prince of Darkness en 1987, Escape from Los Angeles en 1996) sur fonds de crimes urbains, modernes et proches de faits divers. Il a tellement densifié son action qu'aux États-Unis, le film est passé inaperçu et que les critiques étaient mauvaises car la vision du cinéaste culte a été jugée trop déformée.

Une affiche d'exploitation pour la sortie US d'Assaut (pas de critique sociale à voir ici)

L’Europe a découvert John Carpenter et son cinéma, en commençant par la Grande-Bretagne qui a crié au talent et au succès dès la première projection d'Assaut (peut-être grâce à la vue sans concession du cinéaste sur le monde ; ce que John Carpenter dément, il voulait juste faire un film d'action efficace, Assaut n'est donc en rien une critique sociale ... mais, peut-être, les européens, on sait à quel point les britanniques ont besoin d'air, d'intensité et de nouveauté LOL, ont-ils juste envie de se donner bonne conscience en matant POUR LE PLAISIR un film qui utilise des ficelles compassionnelles intenses (la mort de la petite fille) qu'eux-mêmes n'exploitent pas, ou peut-être que ce sont les français qui ont besoin d'excuse "sociale" pour apprécier un plaisir coupable car il faut le reconnaître : aucun commissariat n'a été pris d'assaut aux Statès depuis le fort Alamo ... c'est une longue parenthèse).

Ce que j'adore dans Assaut, c'est sa simplicité. Il n'y a pas beaucoup de scènes d'action. John Carpenter a écrit un intéressant jeu de mise en tension entre moments d’accalmies et moments de turbulences. La plupart d'entre eux sont bien arrangés ; tel le moment de l'ouverture de la boîte contenant les fusils. D'autres ne tiennent que sur un fil (mais passent tout de même) ; tels l'attaque finale dans le sous-sol -le panneau tient debout sans trop de difficultés et des membres du gang tombent facilement- et les tirs ennemis manquant Bishop quand il vérifie le mal qui a fait tomber le capitaine abattu devant le commissariat). Les moments d'action sont d'ailleurs les plus tangents d'Assaut. Le cinéaste américain a surtout misé sur une longue et lente mise en place qui mène plusieurs individus (bons et méchants) au commissariat, ainsi que sur les instants de regroupement pour encourager la sympathie du spectateur envers des personnages qu'il veut voir vivre (Napoléon Wilson n'est-il pas l'empereur des cons qui a pris trop au sérieux la parole d'un pasteur quand il était jeune ?) et des trajectoires croisées pleines du sens de l'affairiste avisé qui connait bien le public des salles de films d'exploitation (un policier afro-américain, un père ayant perdu son enfant, un criminel notoire à la personnalité égarée et une femme forte font face à une bande de tueurs multi-ethniques -aspect qui, parce qu'on ne peut pas s'y arrêter, fait ressortir sa détermination à tuer et sa propension à incarner le mal à l'état pur-).

Post-scriptum

A l'époque où j'ai découvert Assaut, j'étais déjà tout conquis à la cause de John Carpenter. Je recherchais tous ses films pour pouvoir les voir. C'était un temps où il était plus difficile de trouver une copie d'un film (fin des années 1980 et début des années 1990). J'étais adolescent. Les VHS étaient tirées en nombre limité. Je n'étais pas fan des vidéoclubs. Je souhaitais posséder les copies des films pour les visionner à volonté (et je suis possessif de tempérament). Il n'y avait pas d'internet, pas de chaînes câblées à la télé, pas de diffusion en primetime sur les 6 chaînes hertzienne : Les aventures de Jack Burton dans les griffes du mandarin et La nuit des masques sont les 2 seuls films à ma connaissance qui sont passés sur les chaînes publiques (case horaire : 23 heures) avant que la VHS ne soit rangée définitivement dans les cartons et les valises à la cave ou au grenier. Au mieux, je ne pouvais compter que sur Canal + et je ne pouvais qu'espérer trouver une copie VHS en magasin (j'écrirais un ou deux messages sur le sujet prochainement). Trouver une copie VHS d'un film de John Carpenter était donc comme la découverte d'un trésor et constituait un bien précieux. A l'heure où tout se trouve en quelques clicks et où tout se revend aussi facilement, ce que je vais écrire semble échevelé : même une copie ou une diffusion d'un film de Carpenter en Pan&Scan, (c'est-à-dire : bords rognés et image modifiée pour coller au 4/3 des écrans télé de l'époque) constituait un sésame (voir le prochain post sur Fog) et un délicieux instant de cinéma (même si la durée du film a été ramenée de 1h 28 à 1h 20).

Dead Zone

Ce message aurait pu suivre celui d'Assaut

Dead Zone, David Cronenberg, 1983, USA.

Je n'écris pas une critique de Dead Zone dans ce message. Je retranscris une impression née à la suite des visions consécutives d'Assaut et de Dead Zone. Les événements dépeints dans Assaut de John Carpenter se déroulent en continuité sur une fin de journée et une nuit alors que le récit de Dead Zone occupe plusieurs années de la vie de son protagoniste principal Johnny Smith.

J'ai peut-être développé une préférence pour les récits se déroulant dans un temps serré car Dead Zone m'a semblé accumulé les informations de façon très compacte et sans réel développement (au mieux en filigrane). Tout le récit semble n'avoir été construit que pour informer des événements importants en accumulant le moins de scènes possibles. Ce qui jure avec Assaut dont la construction est opposée ; on pourrait résumer la pelloche de Carpenter ainsi : une scène = une information. Dead Zone a donc filé à toute allure pour moi. J'avoue connaître Dead Zone par cœur. C'est mon préféré de Cronenberg et je n'en compte pas beaucoup dans mon cœur (A history of violence) mais, cette fois-ci, l’œuvre était à peine commencée que le générique commençait à défiler sous mes yeux (quelques scènes sortent du lot).

Je vais donc arrêter d'enchaîner les films qui ont des continuums espace-temps différents. Après ou avant Assaut, la prochaine fois, Fog, Le prince des ténèbres ou Zoulou (Cy Endfield, 1963) remplaceront Dead Zone : les 3 films cités sont des huis-clos sur une brève durée. Après tout, l'envie de les revoir s'est réveillée à la vision du premier long-métrage professionnel de John Carpenter. Pas sûr que je les aurais autant apprécier ce soir-là que je veux bien le croire ... peut-être vaut-il mieux que je ne regarde pas d'autres pelloches avant qu'Assaut n'ait fini de faire son effet de divertissement plaisant et réussi sur moi. Il reste à découvrir combien de temps ce sentiment va durer : 1 jour, 1 semaine, ...

Dead Zone a, je crois, un oubli narratif important. Lorsque Johnny Smith découvre le futur de Craig Stilson, il décide d'adopter des moyens radicaux pour empêcher le politicien de se conformer à son avenir. Il aurait néanmoins pu appeler à l'aide Roger Stuart, le richissime père de Chris, afin qu'il retire son appui politique et financier. Ce dernier jugeant Stilson dangereux, suite à l'épisode du lac gelé, l'aurait écouté (tout au moins). Ce bond décisionnel de Smith apparait donc comme incohérent vis-à-vis de sa personnalité et des possibilités qui s'offrent à lui. Il est étonnant que son médecin, connaissant l'étendue des pouvoirs de son patient Johnny Smith, ne se doute de peu (voire rien) lorsque Smith entretient une discussion sur l'assassinat d'Hitler avec lui.

De plus, Smith ne teste pas le champ complet de son pouvoir.

P.S. : Si j'ai regardé Dead Zone à la suite d'Assaut, c'est que j'ai enfin trouvé deux éditions DVD qui valent la peine d'être achetées et conservées (édition française Metropolitan pour Assaut et édition allemande Film Confect pour Dead Zone).